INTERSTELLAR

Desde el principio he tenido la impresión de que esta película ha venido a rebufo del enorme éxito que tuvo la tan premiada (y adorada por mí) "Gravity", que ya se ha convertido en un referente para producciones de temática espacial, con permiso de “2001, una odisea del espacio”.

No puedo evitar la comparación entre ambas por proximidad temporal y género. Desde el punto de vista estético tienen lógicos elementos en común, pero notables diferencias en otros muchos aspectos que las hacen ser muy distintas. Por un lado, la escenografía y los efectos visuales, mucho más impresionantes y realistas en Gravity. El guión, sencillo y lineal en la producción de Cuarón, es intrincado, complejo y por momentos hasta enrevesado en la de Nolan. La primera aborda el tema científico desde una perspectiva más realista y tecnológica e Interstellar pretende tratarlo de manera más profunda y teórica, introduciendo altas dosis de ficción.

En definitiva, se trata de una cinta dispar que ha contado con el estimable asesoramiento del prestigioso científico Kip Thorne, uno de los mayores expertos mundiales en las aplicaciones a la astrofísica de la teoría de la relatividad general de Einstein y que también ha participado como productor ejecutivo. Es interesante la forma en la que resuelve visualmente ciertos aspectos teóricos que son difíciles de imaginar, pero se pierde demasiado en un metraje excesivamente largo y falto de ritmo que la hace pesada. Por suerte remonta al final y deja con un sabor algo agradable.

La música, de Hans Zimmer, ha sido objeto de alabanza por parte de ciertos sectores de la crítica especializada. Personalmente, me gusta cuando su música no parece suya, y este es el caso. Considero también positivo el uso de diferentes registros sonoros que le dan variedad, utilizando un fondo musical etéreo que le confiere ese ambiente espacial necesario y que nos acerca a un estilo new age, el uso minimalista del piano y un estilo más clásico con el que se hace referencia directa a “2001”.

Como curiosidad y homenaje también a la obra maestra de Kubrik e incluso a “Star Wars”, es la aparición de un robot de dudoso gusto estético en su diseño (más simple no puede ser, realmente minimalista), pero que sirve de contrapunto simpático en la película.

En conclusión, creo que es una película que hubiera ganado muchísimo si se hubiera apostado por un montaje adecuado y un metraje más reducido.

10/12/2014

DRÁCULA, LA LEYENDA JAMÁS CONTADA

Nunca se pareció más este personaje, romántico a la par que siniestro y que representa al vampiro por excelencia, a un superhéroe de la Marvel como en esta nueva versión que nos ofrece el director Gary Shore y que protagoniza Luke Evans.

Todo el argumento parece urdido al estilo de Stan Lee pero con lógicas variantes. Ambientada en el siglo XV, narra la historia del príncipe de Rumanía Vlad Tepes, (en el que se basó el escritor irlandés Bram Stoker para la novela que publicara en 1897) que adquiere sus “superpoderes” a través del típico pacto mefistofélico con el fin de salvar a su pueblo y su familia de la amenaza turca.

El villano es también típico de cómic, tremendamente despiadado despliega sus ejércitos de forma desproporcionada y cruel, ante los cuales nuestro protagonista se basta solito para contrarrestarlos exhibiendo sus descomunales habilidades para la lucha. Así mismo, conoce los puntos débiles del héroe y utiliza sus métodos como Lex Luthor usaba la kryptonita contra Superman.

Realmente cuando salí del cine me quedé igual que entré, tal vez sea un filme demasiado pueril. Me dio la sensación de haber visto una viñeta épica vampírica en un entorno propio de la tierra media, los escenarios me recordaron a los de “Las dos torres” de Peter Jackson.

05/11/2014

LA ISLA MÍNIMA

Película destacada y premiada en el Festival de San Sebastián, que está siendo una de las sensaciones de la temporada con éxito de crítica y público. No es fácil, siendo española, colocarse entre las más vistas y valoradas de la cartelera, pero posee muchos elementos para ser así.

Dirigida por el extraordinario realizador sevillano Alberto Rodríguez, tiene una trama truculenta, magnífica ambientación (marismas de Huelva en los años 80), preciosa fotografía, escenas bajo la lluvia en tono poético memorables y un dúo protagonista excepcional al que le auguro futuros galardones. Descollante es el trabajo de Javier Gutiérrez, a quien acostumbramos a ver en papeles cómicos, se destapa aquí con un personaje de carácter, con luces y sombras. Es un claro caso típico de actor de comedia que hasta que no hace un papel dramático no se le reconoce. A mí siempre me ha parecido soberbio.

A pesar de todas sus bondades, curiosamente no me sedujo lo suficiente. Su argumento tan oscuro y su justo ritmo pausado no me entusiasmaron como sería deseable, le faltó poco para que me pareciera incluso aburrida en ciertos momentos.

Para muchos tiene un más que razonable parecido con la serie americana “True Detective”, cosa que ciertamente podría quitarle parte de su mérito.

Como curiosidad, la aparición del protagonista de “El niño”, Jesús Castro (que afortunadamente aquí no interviene demasiado), haciendo de nuevo de niñato pero esta vez más peligroso, y la de Jesús Carroza, otro de los niñatos de “El niño”, que aquí hace de un para nada creíble guardia civil.

Por tanto, película recomendable para los amantes de este género y del cine bien hecho, pero que tal vez decepcione a quienes esperen una intriga policiaca trepidante.

04/11/2014

EL NIÑO

Aunque ya alejado de su estreno, al fin pude ver una de las películas que con más fuerza irrumpieron en las carteleras a la vuelta del verano. En general la aceptación del público ha sido muy positiva, también alentada por una gran campaña publicitaria auspiciada por Tele 5.

Yo igualmente me sumo a esa buena acogida ya que su director Daniel Monzón, quien en un tiempo fuera crítico de cine, demuestra dominar la técnica cinematográfica y nos ofrece con visión hollywoodiense una temática marcadamente localista pero que resulta coherente y verosímil.

Plantea algo tal vez más habitual en el cine americano, al jugar con las emociones del espectador y proponiendo una dicotomía moral entre el bien y el mal que la hace atractiva.

Desde el punto de vista interpretativo se pueden distinguir dos planos, por un lado el de los policías, que cuenta con un buen plantel en el que destaca Bárbara Lennie, Luis Tosar (que parece ser que necesita un peluquín para hacer de policía) y sobre todo Eduard Fernández, y por otro el de los jóvenes delincuentes, que flojea bastante.

En cuanto al tan mencionado protagonista, Jesús Castro, decir que se nota demasiado que no es actor profesional. No transmite, es frío, sin oficio y tiene serios problemas de dicción, aunque quieran reflejar de la manera más realista posible el acento del estrecho. Eso de que podría ser el nuevo Paul Newman nada de nada, mucho tendría que aprender este chico y no solo en el plano interpretativo. Lo único en lo que se le puede parecer es en el color de ojos y en unas cuantas fotos hechas a propósito. Le falta el porte, el glamour y la elegancia que siempre desprendía el de Ohio aún cuando le tocaba hacer de inadaptado social. Si este personaje da nombre a la película, más que llamarse “El niño” se ajustaría más a la realidad si el filme se denominara “El niñato”. No obstante y a pesar de todos sus defectos, resuelve su debut con un suspenso alto.

La chica, Mariam Bachir, trabaja algo mejor pero tampoco hace que funcione la química que debería haber en su relación y resulta falsa y forzada. Considero que también hay parte de culpa en el guión, en la dirección de actores o directamente en el casting, no sólo es producto de la inexperiencia de los noveles.

De todo este grupito el que se salva con la nota más alta es Jesús Carroza, que ya ganó el Goya a mejor actor revelación en 2005 por “7 Vírgenes”  y, aunque en ésta como en aquella parezca hacer de sí mismo, da el contrapunto de humor y frescura necesario que agradece sobremanera la cinta.

Aún con sus desaciertos, incluido el excesivo metraje, se deja ver y se pasa un rato entretenido en el cine.

02/11/2014

TORRENTE 5: OPERACIÓN EUROVEGAS

De nuevo Santiago Segura no decepciona en su última y esperada entrega de este ya mítico personaje que representa lo más rancio de nuestra España cañí.

Reconozco que soy fan absoluto de este buen director, magnífico actor y maravilloso showman, para mí el número uno. Testimonio queda cada vez que aparece en televisión, se hace con el espectáculo de manera brillantísima aun no siendo el protagonista. Tiene un innato sentido del espectáculo y una mente privilegiada.

Aunque, como digo, no decepciona porque sigue con la misma y esperada estructura de misión disparatada con la habitual troupe de reclutas casposos, es la más escasa en cuanto a lo que se espera. Es, junto a la primera, la que tiene menos cameos, la que resulta más políticamente correcta y menos escatológica y gamberra. Incluso el hecho de estar basada en “Oceans Eleven” (idea muy bien traída ya que está de por medio la trama de Eurovegas) tiñe de cierto glamour, la cinta. En ello está muy acorde también el montaje y la música del siempre genial Roque Baños, que fue prácticamente catapultado por Segura en su primera entrega.

Señalar que el personaje interpretado por Jesulín de Ubrique está en la línea de lo que ya hiciera en la anterior Paquirrín y ni decir tiene que el nivel interpretativo es bastante patético pero también es parte de la gracia. La aparición estelar de Alec Baldwin es igualmente triste, casi no se le entiende al pobre hablando español y dudo mucho que ni siquiera supiera qué estaba diciendo. Al menos le habrán compensado con un buen emolumento.

Algunos aspectos a destacar que resultan brillantes, el situar la acción en un futuro cercano que plantea hipotéticas situaciones muy curiosas y divertidas y la entrañable reaparición de Tony Leblanc en una escena espléndida.

En definitiva la más floja de la saga, propia para seguidores incondicionales o amantes del humor friki.

18/10/2014

HOMBRES G

Entre las múltiples cosas que he tenido la oportunidad de hacer este verano está el desempolvar de la guantera de mi coche antiguos C.D’s recopilatorios que grabé, hace cosa de 10 años, para amenizar mis largos paseos automovilísticos.

De todos ellos uno me sorprendió especialmente. Se trataba de la discografía completa de Hombres G, el ya mítico grupo de los 80, regalo que hice a mi hermana en uno de sus cumpleaños en una bonita edición que contenía en una caja la publicación en nuevo formato de sus trabajos. Yo la pasé a MP3, las grabé en un CD y se quedó en el estuche de mi coche sin que hiciera mucho uso de él.

Mi sorpresa vino porque esta nueva revisión me ha hecho verlos con otros ojos distintos a los que tenía.

Yo comencé a escucharlos en mi niñez, cuando se pusieron de moda con aquello de “Venecia” y “Sufre mamón” (cuyo título real era “Devuélveme a mi chica”) porque mis primos compraban sus vinilos y nos los grababan en cinta cuando apenas teníamos un recién comprado radio-cassette y que, a pesar de disfrutar y divertirme con sus canciones desenfadadas y letras gamberras, nunca los dejé de ver como un grupo para chicas adolescentes, o al menos esa era la imagen que se tenía de ellos, así que era un poco vergonzoso en aquella época y con esa edad reconocer que te gustaban si no querías que tu heterosexualidad fuera cuestionada.

En esta nueva y madura escucha de su trabajo, lo más llamativo ha sido comprobar la calidad musical de sus canciones y el alto contenido en rock and roll que tienen, evocando a los grandes clásicos del género.

Resultan interesantes sus propuestas melódicas y armónicas, despuntando especialmente su sonido y los magníficos arreglos e interpretaciones instrumentales que quedan plasmadas en sus grabaciones. Se nota que están detrás los mejores músicos de estudio. Según algunos, eran niños bien que podían costearse grandes y buenas producciones, no olvidemos que el líder y vocalista David Summers, es hijo del prestigioso director de cine Manolo Summers y sobrino de productores y directores de televisión como Guillermo y Tomás Summers. Sea como fuere, el resultado es una colección de trabajos de una más que aceptable factura desde el punto de vista musical.

Se podría señalar que tenían dos puntos débiles. Por un lado sus letras, demasiado enfocadas a un público adolescente femenino, son pueriles en algunas ocasiones y surrealistas e incluso ñoñas en otras. Por otro lado, la voz de su cantante, demasiado aguda, casi afalsetada y aparentemente blanda. Sin embargo, estos dos factores eran bazas que jugaban a su favor. Las letras remozan frescura, desinhibición, diversión, creatividad y la voz de David Summers dota de gran personalidad al grupo y lo hace desmarcarse del resto.

En general, pienso que no gozaron de buena prensa y no se les reconoció el mérito y el lugar que debieron tener hasta pasados los años. Ciertamente tuvieron un éxito arrollador en España y sobretodo Hispanoamérica entre el público adolescente, pero no pasaron de eso. Su imagen de tíos normales, que no se dejaban el pelo largo ni se disfrazaban de tipos duros con exceso de complementos y ropas que se identifican con el rock, les hicieron situarse en un sitio que no les correspondía y que, como digo, ahora parece que recuperaron.

Gran parte de su variedad musical y estilística la podemos comprobar en la siguiente lista de temas que incluye canciones de su primera etapa y que deja de lado algunos de sus más típicos éxitos.

-“Dejad que las niñas se acerquen a mí”. Canción con toque hawaiano.

https://www.youtube.com/watch?v=KyGIZ0qgYw4

-“Matar a Castro”. Valiente y comprometedora canción que narra el intento de asesinato al dictador cubano Fidel Castro a manos de una niña. Por supuesto les costó la prohibición de tocar en el país.

https://www.youtube.com/watch?v=7Mke3hDHGLE

-“Lawrence de Arabia”. Con reminiscencias árabes y cuyo punteo recuerda al tema de Dick Dale and The Del Tones “Misirlou”, que tan popular se hizo en la película “Pulp Fiction”.

https://www.youtube.com/watch?v=ZU2XGWhRmYs

-“Visite nuestro bar”. Uno de sus temas más emblemáticos.

-“Indiana Jones”. Letra con mucho sentido del humor que intenta desmitificar al héroe.

https://www.youtube.com/watch?v=H4tjzsjGj7s

-“Rita la cantaora”. Una original, tétrica, desconcertante y divertida historia bastante cinematográfica.

https://www.youtube.com/watch?v=FCwr4wCJhjY

-“Una mujer de bandera”. Otra de sus surrealistas historias convertida en minifilme por Manolo Summers y que es una de mis favoritas.

-“Solo me faltas tú”. Un rock and roll juvenil muy desenfadado con un buen solo de guitarra y piano.

https://www.youtube.com/watch?v=KJaAXa_EJjs

-“No, no, no”. Divertidísima canción con profusión de vientos.

-“Temblando”. Sin duda su mejor balada. Hecha para completar un disco, prácticamente de forma improvisada, que se ha convertido ya en todo un clásico.

https://www.youtube.com/watch?v=VhX6GZSfPns

-“Tengo una chica”. Tema con un comienzo y acompañamiento de guitarra que recuerda a los grandes del rock.


https://www.youtube.com/watch?v=lwNdLNa608Q

-“No aguanto a tu prima”. Con esquema de rock and roll clásico y una letra adolescente divertida y desenfadada.

https://www.youtube.com/watch?v=tAd32hv2tdc

-“Nassau”. Divertida, gamberra y con una buena producción.

-“Suéltate el pelo”: Uno de sus temas más rockeros.

https://www.youtube.com/watch?v=ha-YA3X177Q

-“Será esta noche”. Introducción que huele a clásico del rock.

https://www.youtube.com/watch?v=Fd8w34K2ay8

-“He recuperado mi cabello”. Original y disparatada letra basada en una milagrosa loción capilar.

https://www.youtube.com/watch?v=-VgFklWcnMU

-“Voy a pasármelo bien”. Una de sus mejores canciones con unos magníficos arreglos y que es ya todo un símbolo.

https://www.youtube.com/watch?v=8gLUhCTvZco

-“Chico tienes que cuidarte”. Original tema con buenos arreglos.

-“Aprender a caer”. En esta se atreven con la bossa nova.

https://www.youtube.com/watch?v=sKSzU7k4NmE

-“Madrid, Madrid”. Canción homenaje al mismo estilo de “New York, New York” de John Kander y, aunque David Summers no es Frank Sinatra precisamente, es una de sus canciones más redondas y con unos fantásticos arreglos de big band.

-“Mexico”. Mi tema favorito del grupo, con una fuerza y energía que rinde homenaje a un país que tanto ha significado en su carrera.

https://www.youtube.com/watch?v=_h7R8PIJEyY

-“Tú me gustas”. Otro de sus temas más rockeros.

 https://www.youtube.com/watch?v=JBqFWsx2zpM

-“El rey del rock and roll”. Rock and roll al más puro estilo clásico.

-“Voy a hablar con él”. Alto octanaje de rock.

https://www.youtube.com/watch?v=pcVaHCmS26k

-“El tiempo no es mi amigo”. Rareza hecha con arreglo de cuerdas.

https://www.youtube.com/watch?v=qSyC9GOm2o0

-“Esta es tu vida”. Canción reivindicativa con muchos detalles de originalidad.

https://www.youtube.com/watch?v=pa33ND4rjHo

-“Encima de ti”. Con un gran solo de guitarra final.

https://www.youtube.com/watch?v=WINt9rEzl9c

-“El orgullo de mamá”. Otra que suena a grande del rock con unos muy buenos arreglos.

https://www.youtube.com/watch?v=w6tJOZ1toO0

-“El otro lado”. Canción al estilo de U2.

https://www.youtube.com/watch?v=a0ZjEV8oiAY

-“Ella es una mujer”. Cambio de tercio con un carácter totalmente folk.

https://www.youtube.com/watch?v=PiJyDwtaH7s

-“Si tú quieres”. También se atreven con esta especie de reggae.

https://www.youtube.com/watch?v=VzFrh6QH5Zk

-“Blues del camarero”. Cerramos esta recopilación con un blues al más puro estilo americano.

16/10/2014

LA CAZA

La cartelera de cine de este verano de 2014 no ha sido en absoluto atractiva para mí, así que aparte de la fallida “Violette” (película francesa que acudí a ver porque narraba la relación entre la escritora Simone de Beauvoir y su admirada Violette Ludoc) que lo único que me proporcionó fueron más de dos horas de aburrimiento y una pizca de buena música de Arvo Part, no he ido a ningún estreno. 

Si a esto le sumamos el maravilloso sol del sur de Europa y mi obsesión estival por no permanecer mucho tiempo en el mismo sitio, dan como resultado la evidente sequía que ha sufrido este foro durante el verano.

Por el contrario, he tenido la oportunidad de disfrutar en una de las fantásticas proyecciones al aire libre del Sacromonte, que nos ofrece un ciclo de cine internacional independiente bastante interesante y en un entorno único, de la película danesa de 2012 “La Caza”. Todas las buenas críticas, nominaciones y premios que ha recibido son totalmente justificados.

Excelente guión, sencillo, claro pero lleno de sutilezas, dirección precisa sin artificios y una interpretación de su actor principal memorable. Impresiona la manera en la que trata un tema tan delicado y lo bien desarrollado que está. Un pequeño malentendido que desencadena un drama personal que supone el paralelismo que hace referencia a su título. Todo ello con la sobriedad propia de un filme no hollywoodiense. 

09/09/2014

SUSPENSE

 

En esta ocasión no hablaré de un estreno sino de este clásico del año 61, dirigido por Jack Clayton y protagonizado por Deborah Kerr, basado en la novela gótica de Henry James “Otra vuelta de tuerca” y cuyo título original es “The Innocents” (mucho más coherente que el título en español).

Ya a finales de los años 80, siendo yo un crío, escuchaba vociferar a Carlos Pumares a través de las ondas, en el mítico programa radiofónico “Polvo de Estrellas” de la ya extinta antena 3 radio, calificando a esta película como la más grande obra maestra del cine de terror y, después de 25 años intentando conseguir una copia para constatarlo, se me ocurrió la sencilla idea de buscarla en youtube, donde está en versión original subtitulada. A pesar de mis altísimas expectativas no me ha decepcionado en absoluto, más aún, me ha sorprendido muy gratamente.

Como esperaba, este tipo de películas ya no nos dan miedo, obviamente no se trata de un terror moderno al que ahora estamos acostumbrados pero goza de imágenes muy potentes. Me parece original que no se conforma con sugerir sombras o espectros casi imperceptibles por el espectador si no que muestra las figuras fantasmales de una forma muy directa, lo cual la hace más inquietante. Reconozco que en una de las escenas un escalofrío me recorrió todo el cuerpo.

La ambientación es tenebrista y tiene algunos de los clichés típicos de los filmes de terror, o digamos más bien que es de ella de la que muchos cineastas han tomado referencia para producciones de este género, si no que se lo digan a Amenábar que calca numerosos elementos para “Los Otros”. Aún así no pretende ser artificiosa y huye del abuso de los golpes de efecto.

Lo mejor es el guión, basado en la historia de Henry James, está escrito por William Archibald y el genial Truman Capote, cuya mano se nota bastante tratando con mucho tacto un tema tremendamente aberrante y que hasta hoy día nos parece escandaloso. Llama la atención lo atrevido de su temática para la época en la que está hecha. Ya nos sorprendió el propio Capote con una visión liberal de la mujer, en una época que no lo era, en “Desayuno con Diamantes”.

La manera en la que está contada sugiere varias interpretaciones de lo que realmente pasa y juega con esa ambivalencia que mantiene el interés en todo momento. Solo al final se puede deducir lo que sucede sin cerrarse a diferentes lecturas.

Completa la obra el compositor francés perteneciente al grupo de “Los Seis” Georges Auric, que nos imbuye en esta lúgubre atmósfera a través de una sobrecogedora melodía infantil.

Ratifico este filme como una obra maestra y la podría englobar dentro de esas películas con niños que tienen ambientación oscura y turbadora como “Matar un ruiseñor” o “La noche del cazador”.

24/07/2014

MALÉFICA

Una más que aceptable nueva mirada al clásico cuento de “La Bella Durmiente” llevado a la gran pantalla por Disney  hace ya más de 50 años.

La película conserva la estética de la original pero adaptada y modernizada de forma muy coherente. Impresiona su exuberancia visual, plagada de paisajes idílicos y criaturas fantásticas, que nos adentra en un universo Tolkieniano, en donde coincide también la visión que se tiene del hombre como uno de los seres más perversos debido a su insaciable ambición. Aunque no destaque por la excelencia de sus efectos especiales, inunda la pantalla su potente personaje principal encarnado por una gran estrella como Angelina Jolie.

Tal y como indica su título, el filme no se centra en la princesa sino en narrar la vida de una de las brujas más atractivas y siniestras de todo el espectro de villanas que inundan las fábulas infantiles. Nos presenta una entrañable visión, mucho más amable, de un hada que por circunstancias tiene un episodio en su vida que le hace actuar rindiendo honor a su nombre.

La filosofía que transmite esta versión es mucho más real, certera y fresca, evitando los tópicos y tradicionalismos que la propia Disney se ha encargado de perpetuar a lo largo de los años.

Algo que me sigue llamando la atención de esta historia es que, siendo la maldición de Maléfica tan exacta en fecha y hora, los padres dejaran que la niña fuera cuidada por tres torpes hadas durante 16 años, sin poder disfrutar de ella, y que el único día que verdaderamente deberían estar vigilándola y cuidándola,  la dejen sola. Incomprensible.

La banda sonora de James Newton Howard es bastante correcta, casi en su totalidad es original pero emplea algunas citas y variaciones de la música del ballet de Chaikovski ya utilizada en la de animación. Muy destacable la magnífica versión de la canción “Once upon a dream”, interpretada por Lana del Rey en los créditos finales.

En resumen, una buena excusa para acudir al cine en familia y disfrutar otra vez de esta historia que nos hará reflexionar sobre el verdadero significado del amor.

11/06/2014

NOÉ

Curiosa visión de uno de los pasajes bíblicos más memorables, en la que llaman la atención algunos aspectos.

Para empezar, lo más sorprendente es la existencia de unos seres mitológicos de piedra con forma humana que recuerdan a una especie transformers ancestrales que nos sumergen en un mundo más propio de Tolkien que de un relato sagrado. Por otro lado y, paradójicamente, se presenta a un Noé demasiado sanguinario y despiadado, que quiere llevar al extremo la purga divina que se le ha encomendado ya que gran parte de la especie humana, descendiente de Caín, es el origen de todos los males de la creación.

Creía ya que nunca más iba a volver a decir que los efectos visuales de una película no eran perfectos pero este es el caso, a pesar de tratarse de una superproducción, parecen de telefilme. También me resultó tremendamente chocante el vestuario, más propio de la moda contemporánea, con un perfecto corte y diseño, que de una remota época casi primitiva.

A pesar de esta peculiar perspectiva y de sus carencias, es entretenida. Siempre es una garantía contar con un reparto como este, en el que la oscarizada pareja de “Una Mente Maravillosa” Russell Crowe  y Jennifer Connelly encarnan a Noé y a su esposa. Completa el reparto estelar Anthony Hopkins haciendo del abuelo Matusalén y Emma Watson de hija adoptiva-nuera.

26/04/2014

OCHO APELLIDOS VASCOS

Solo la fiesta del cine me empujó a ver la que está siendo la sensación de la temporada, que está batiendo todos los récords y de la cual no esperaba gran cosa. Una comedia española con Dani Rovira como protagonista, humorista al que no se le puede calificar como actor propiamente dicho (al menos hasta ahora), la saturación de monólogos y de series cómicas que hay y encima explotando un tema tan facilón y recurrente como la rivalidad geográfica entre dos Españas estereotipadas, francamente no me ofrecía un panorama muy halagüeño para animarme a acudir a verla en pantalla grande. Sin embargo, he de reconocer que me ha sorprendido gratamente.

La película está bien dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, quien ya obtuviera otro taquillazo con el musical “El otro lado de la cama” y gran notoriedad con el drama “Las 13 rosas”. A pesar de no ser redonda, cumple perfectamente su propósito. Es difícil sorprender en este género, básico para que funcione la risa, pero lo cierto es que aunque no destaque por su originalidad, lo consigue. Curiosamente el planteamiento del guión, basado en secretos y malentendidos ya muy trillados, está bastante bien. Abundan los gags y frases brillantes, pero por desgracia han sido desveladas muchas de ellas por la excesiva publicidad.

Su éxito está sustentado por sus cuatro personajes principales. Una correcta Clara Lago, la desaprovechada pero siempre maravillosa Carmen Machi, un soberbio Karra Elejalde y su estrella, el asombroso Dani Rovira, que se hace dueño y señor de la historia por méritos propios. A todo esto se le añade el magnífico dúo cómico sevillano de la productora “Mundoficción”, que han triunfado con sus cortometrajes sobre los estereotipos sevillanos.

Después de un espléndido arranque se mantiene bien durante gran parte del metraje pero flojea un poco de la mitad al final. En cualquier caso, invita a pasar un rato divertido, es fresca y nada pretenciosa. Conecta y llega a un sector de público muy amplio, su popularidad es comprensible.

24/04/2014

VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS

Después de su éxito en los Goya acudí a ver esta película con gran interés, pero a mi modo de ver dice mucho, y no bueno, del nivel del cine español que se ha producido en este último año.

Se trata de una propuesta bastante bienintencionada aunque modesta, se nota que goza de un presupuesto limitado. Prácticamente cuenta con tres actores profesionales más una debutante, ya que la participación de Ariadna Gil y Jorge Sanz se podría calificar de anecdótica.

El guión está basado en un bonito hecho real con mucho encanto. Un profesor que decide viajar a Almería para visitar a John Lennon, que está rodando una película, con el propósito de que le corrija algunas de las letras de sus canciones con las que enseña Inglés a sus alumnos. Es una road movie llena de nostalgia que a mí no me convenció. Con el propio planteamiento se sabe ya el desarrollo y el desenlace. Las historias paralelas de sus dos acompañantes, tampoco despertaron demasiado mi interés.

Su mayor atractivo radica en disfrutar de la labor de su protagonista, que le ha permitido ganar el Goya después de 5 nominaciones. A pesar de eso, no me parece que sea su mejor papel, él está bien porque siempre está bien y este personaje es entrañable y posee un carisma especial, pero se lo podían haber dado mucho antes por cualquiera de sus trabajos, sobre todo con Almodóvar. Javier Cámara tiene esa calidad que tenían los grandes actores clásicos españoles, con físico de secundario y talento de estrella, con una impresionante vis cómica natural y a su vez una enorme capacidad para el drama. Un actor extraordinario.

21/04/2014

EL GRAN HOTEL BUDAPEST

Uno de los mayores fiascos de la temporada y francamente es una pena. Tiene un planteamiento estético muy original y divertido aunque luego no cuaja como debiera. Cuenta con un excelente y amplísimo reparto pero es engañoso, en realidad son prácticamente cameos ya que la trama está centrada en dos actores, Ralph Fiennes y Tony Revolori.

Es bastante pretenciosa y fallida, una vez que se acostumbra uno a su abrumador entorno visual, a ese humor un tanto absurdo con la característica mirada hierática a cámara de los personajes que se encuentran en segundo plano, se pierde pronto el interés y llega a ser aburrida. Confieso que en algún momento perdí el hilo y me pareció confusa, no conseguía mantener mi atención.

Indudablemente lo mejor que tiene es su maravilloso diseño de producción, que imbuye al espectador  en ese mundo de rancio glamour hotelero y de su trastienda, es de premio. También es destacable la espléndida música de Alexandre Desplat y el llamativo uso de maquetas y figuras móviles que evocan el estilo del cine mudo.

10/04/2014

DALLAS BUYERS CLUB

Típica película que pierde gran parte de su sentido si no se ve en versión original. El mayor atractivo que tiene son las interpretaciones de sus dos protagonistas, ambos ganadores del premio de la academia, Jared Leto como mejor actor secundario y Matthew McConaughey como actor principal.

En la versión doblada que tuve oportunidad de ver, la actuación de Leto haciendo de transexual resulta sobreactuada y su voz es incluso ridícula, sin duda el más perjudicado por el doblaje. En McConaughey se intuye un encomiable trabajo haciendo de malhumorado cowboy, drogadicto y homófobo, diagnosticado como seropositivo y que utiliza todos los medios que tiene a su alcance para luchar contra su enfermedad, enfrentándose incluso a la industria farmacéutica.

El filme está muy en la línea de otros tantos que han brindado galardones a sus intérpretes. Dramas que requieren grandes cambios físicos muy efectistas y/o que están hechos exclusivamente para el lucimiento de sus estrellas y en los que el guión casi queda en un segundo plano. Recuerda a títulos como “Philadelphia”, “Boys don’t cry”, “Erin Brockovich” o “Monster”.

Por lo demás, la película no deja ningún poso en la memoria y resulta indiferente, aunque tampoco está mal del todo.

Es inevitable recordar la labor de Leonardo di Caprio en “El Lobo de Wall Street”, para mí mejor que McConaughey en esta, ya que hace un despliegue de registros mucho más amplio y por tanto es más merecedor del Óscar. Incluso Chiwetel Ejiofor en “12 Años de Esclavitud” se muestra más brillante que el finalmente ganador. No hay que desmerecer el trabajo de McConaghew pero su papel cuenta con todos los elementos típicos que siempre premia Hollywood. Parece que no aceptan la comedia o personajes más políticamente incorrectos.

08/04/2014

LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN

Ahora que estoy inmerso en la aplicación del cine a la educación, me atrevería a calificar esta película como paradigmática en este sentido. Por fin tenemos un protagonista que es una especie de héroe legendario que debe todas sus habilidades y logros gracias a su sabiduría y no a la fuerza bruta o a la picaresca, domina todas las disciplinas y es adalid de la cultura y el conocimiento. Lo más curioso es que todos estos prodigios, fruto de una inteligencia suprema, están encarnados en la figura de un pequeño y simpático beagle de pelaje blanco.

Basada en la serie de dibujos animados de los años 60 llamada “El show de Mr. Peabody y Sherman”, cuenta las aventuras de un brillantísimo perro cuyo mayor desafío es el gran reto de educar a su hijo adoptivo humano. Para ello, se dedica en cuerpo y alma a este menester, llegando incluso a inventar una máquina del tiempo llamada “El vuelta atrás”, que utiliza para darle las mejores lecciones de historia que uno se pueda imaginar, viajando a las épocas y lugares más cruciales y viviendo los acontecimientos in situ con sus protagonistas. Con su entrega y empeño en transmitir esos valores nos da una auténtica lección de paternidad a todos.

El filme tiene un enfoque ameno y divertido para que disfruten y aprendan los más pequeños a la vez que hace numerosos guiños para regocijo de los mayores.

El hecho de que nuestro protagonista sea un atípico cánido y no un padre humano propone varias cuestiones interesantes. Consigue crear un ambiente de fantasía surrealista que la hace más graciosa. Conecta mejor con el público infantil que adora a estos animales. Es fuente de conflicto en la película y abre un debate que puede ser extrapolado a otros sectores sociales sobre la idoneidad o no de alguien para adoptar a un niño. Por último plantea algo controvertido que es consustancial a la naturaleza canina del señor Peabody y que intenta transmitir a su pupilo, el principio de obediencia. No siempre ser obediente es positivo en cuanto a sumisión o docilidad carente espíritu crítico, para que lo sea debe haber criterio y formación. Si aún no se posee por inmadurez o desconocimiento, tienen que existir otros valores como la confianza, o en su sentido más amplio, el amor.

03/04/2014

HER

Esta es una de esas películas que merecen la pena por su extraordinaria originalidad y sensibilidad, a pesar de tratar un tema extremadamente corriente en el cine como es el amor.

La acción se desarrolla en un futuro indeterminado tal vez no muy lejano, en donde las tecnologías están en la cotidianidad, como es previsible, y donde algo tan banal como la escritura manual ya está en desuso, sólo reservada a unos pocos románticos que las encargan en cartas que paradójicamente no se hacen a mano.

Es la historia de un amor normal y corriente entre dos seres cuya particularidad, y esto es lo que la hace diferente y que surjan multitud de reflexiones al respecto, es que uno de ellos es un hombre común y el otro un sistema operativo informático con voz de chica llamada Samantha. Esta propuesta nos adentra en el mundo de la introspección, de los sentimientos más profundos y de la necesidad universal de amar y ser amado.

En este tiempo en el que vivimos, en donde tenemos la posibilidad de estar conectados permanentemente a través de un pequeño artilugio que cabe en la palma de nuestra mano y en donde las redes sociales nos ofrecen una nueva forma de relacionarnos, este planteamiento parece un futurible bastante interesante y en absoluto descabellado.

La experiencia que ya tenemos en este sentido nos hace ser conscientes de la cantidad de personas que se conocen y son capaces de enamorarse y establecer una relación de miles de kilómetros a través de algún dispositivo electrónico, en ocasiones incluso sin haberse visto nunca. Esta película habla de eso, de un amor que está por encima de lo físico, en donde  la fascinación intelectual y mental es más fuerte que la corpórea, solo que aquí se da una vuelta de tuerca. En las relaciones cibernéticas siempre existe el anhelo de materializar lo idealizado, aunque luego no se corresponda con la realidad y sea todo una gran decepción. Lo que aquí se expone va más allá, se prescinde absolutamente de toda atracción física para entablar una relación que colma las necesidades afectivas del protagonista a pesar de saber que jamás va a tener una concreción tangible. El sexo se plantea más bien como una necesidad fisiológica puntual y totalmente accesoria. Se crea por tanto un vínculo metafísico que confirma la teoría de que uno se enamora del interior de una persona. Sólo quien ha tenido ese tipo de experiencias puede reconocer este estado o sentimiento como real y posible.

Es importante subrayar que el personaje principal no se presenta como un friki antisocial aislado del mundo, sino como una persona normal que pasa por un bache sentimental.

A mi modo de ver, este espléndido guión que le ha valido el Óscar a su director y guionista Spike Jonze, puede que haga aguas en alguna de sus premisas. Idear que un cerebro electrónico sea capaz de mantener un idilio con un humano debería ser por definición perfecto, ya que la máquina es capaz de captar las necesidades del otro y ofrecerle todo aquello que demanda en cada momento. Sin embargo, al igual que en la vida misma, esta relación no está carente de conflictos, que por otra parte podrían ser aceptados para que pareciera más real, pero considero que en cualquier caso no debería nunca estar abocada al fracaso ni a la frustración, si es que no tiene como objetivo llevar a la locura a su usuario, claro. Permitidme la broma pero parece ser que las mujeres, incluso cuando son artificiales, son también complicadas (salvo excepciones). De todos modos se puede admitir perfectamente la propuesta que presenta la película.

En lo referente a aspectos técnicos destaca la fotografía, con una maravillosa luz llena de colores vivos. El diseño de producción es muy atractivo a la vez que sencillo, así como el uso de una estética hípster o gafapástica.

La música, realizada por el grupo canadiense Arcade Fire y en consonancia con el filme, es simple y elegante. Va desde sonidos electrónicos futuristas, a piezas de piano cuya genialidad es insertarlas en el argumento como pequeñas obras que compone la adorable chica cibernética. Se trata de miniaturas musicales que nos sugieren a un Erik Satie contemporáneo. La culminación de este compendio musical preciosista es la delicada canción nominada al Óscar “The moon song” de Karen O, cantada por Scarlett Johansson y en la que se vale únicamente de un ukelele.

La interpretación de Joaquin Phoenix es excelente, muy contenida, sentida y veraz, sin duda uno de los grandes olvidados en las nominaciones de este año a mejor actor principal.

Como curiosidad decir que en la versión doblada, que vemos en la mayoría de los cines de España, no podemos disfrutar de la presencia de Scarlett Johansson, ya que es la voz de Samantha. Otra de las desventajas que tiene no verla en versión original.

A pesar de sus múltiples bondades no es apta para todo tipo de público, tal vez requiera una sensibilidad especial para saber apreciarla.

18/03/2014

ROMA, CIUDAD ABIERTA

No acostumbro a utilizar este foro para comentar clásicos consagrados de la historia del cine, me parece por lógica innecesario, pero en algunos casos como este, haré algunas puntualizaciones al respecto.

Desde niño, cuando empecé a ver cine clásico y a interesarme por él, escuchaba este título como culmen del Neorrealismo italiano y una de las obras maestras del cine mundial. Por circunstancias, hasta ahora no había tenido la oportunidad de verla, pero gracias al festival de cine clásico de Granada, Retroback, con el que la ciudad se impregna por unos días de la época dorada de Hollywood, pude acercarme a ver por fin este prodigio artístico en pantalla grande y a la magnífica Anna Magnani.

Después de tanta expectativa y como suele ser habitual, mi decepción fue mayúscula y esto me lleva a una reflexión que muchos puedan creer perversa, chovinista y probablemente errónea. Considero que el cine clásico italiano, con directores como Rosellini, Visconti o Fellini, está sobrevalorado en el panorama internacional en detrimento del cine español y los genios de Buñuel, Berlanga, Bardem o Sáez de Heredia, que para mí están muy por encima. Lo mismo ocurre con el cine clásico francés y su Nouvelle Vage. Quizás esto sea producto de la situación política y el aislamiento que vivió nuestro país durante 40 años y de las antipatías foráneas de las que seguramente gozó. Pienso que aún no se le ha dado el sitio que merece fuera de nuestras fronteras a maravillas como “Calle Mayor”, “Historias de la Radio”, “El Verdugo” o “Plácido”, por citar unas pocas. Tan solo a Buñuel y a sus aclamas “Un perro andaluz”, “Viridiana”, “Tristana” o “El discreto encanto de la burguesía”, se le ha concedido tal reconocimiento, lógico también por sus trabajos internacionales en México y Francia.

12/03/2014

FROZEN

No pensaba comentar este nuevo clásico de Disney, porque la vi tarde y creía ya innecesario hacer una recomendación o no para acudir a las salas, pero ahora que se han entregado los premios de la academia de Hollywood y se ha llevado un par de galardones voy a hacer referencia a algunos aspectos de la misma.

Antes de ir a verla ya había escuchado comentarios positivos sobre ella y tal vez por eso me pareció algo decepcionante. Ciertamente deslumbra su belleza visual y el hecho de que incumpla algunas reglas de los cuentos clásicos la hace más original, pero tampoco es realmente transgresora.

De metraje superior a lo que es habitual en este tipo de películas y a pesar de tener un ritmo narrativo rápido, demora en demasía la aparición del esperado contrapunto cómico de la historia que no es otro que un descollante muñeco de nieve, que para mí es de lo mejor de la cinta. Es tierno e ingenuo y se marca uno de los números musicales más brillantes.

Por otra parte, se nota demasiado la lógica presencia y el toque que le ha dado su codirectora convirtiéndola en una película excesivamente femenina y algo más infantil de lo deseable, digamos que es realmente un filme de princesitas.

Sin duda el capítulo musical es lo más destacable. Con música del matrimonio Robert López y Kristen Anderson-López, tiene vocación de acercarse a los grandes musicales que hiciera Alan Menken en la década de los 90 y que hizo revivir una segunda etapa dorada en Disney, pero con un aire más moderno. Resulta bastante efectista pero no tiene toda la riqueza musical y orquestal que derrochaba el gigante de Menken en cualquiera de sus trabajos. Aún así el resultado es bastante satisfactorio, sin duda guiado por ese planteamiento estético y que como hemos podido comprobar ha dado sus frutos.

5/3/2014

AL ENCUENTRO DE MR. BANKS

Amable aproximación al encuentro que tuvo lugar en 1964 entre Walt Disney, encarnado por Tom Hanks y la autora de Mary Poppins, P. L. Travers, bastante bien interpretada por la más que solvente Emma Thompson.

Realizada por el director y guionista John Lee Hankok, (quien hiciera la película que le valió el Óscar a Sandra Bullock, “The Blind Side”) se centra en la figura de la escritora australiana, intercalando el trabajo con Disney y su complicada relación producto de su difícil carácter, con episodios de su infancia que explican su personalidad y lo que le llevó a escribir el libro sobre la institutriz mágica.

Siendo un producto Disney no es de extrañar que presente una imagen cordial de su fundador, personificado por uno de los actores más queridos de Hollywood y, aunque destila cierto halo de infantilismo y almíbar intentando agasajar a la señorita Travers con dulces, regalos y atracciones de feria, destaca su gran talante y mano izquierda para lidiar con el temperamento de la literata, cuyas manías y recelos por conservar la esencia de su creación quedan perfectamente retratados.

Por lo demás, es muy ilustrativo ver el proceso de elaboración del guión entre la propia dramaturga, el guionista y los compositores de las canciones, los entrañables hermanos Sherman. Particularmente me hubiera gustado que hicieran más hincapié en este aspecto y que incluso mostraran el desarrollo del rodaje, pero entiendo que no era el propósito y que quedaría más descompensada.

De todas formas no llega a calar tanto como sería deseable y deja un regusto agradable pero no trascendente.

Al menos tiene un momento realmente mágico, cuando ella asiste a la proyección de la película el día de su estreno, donde por fin desamarra sus sentimientos, sólo manifestados tímidamente ante un mal aprovechado Paul Giamatti, que hace de su chófer.

Por último, remarcar la posibilidad que nos ofrecen de volver a disfrutar de las deliciosas canciones del referido clásico y de uno de los compositores más personales como es Thomas Newman, que ya se puede considerar un clásico.

19/02/2014

ESCULTURA GRANADINA

Mucho se ha hablado en los pasados días sobre unos nuevos monumentos escultóricos ubicados en el centro de Granada. La polémica al respecto giraba en torno a temas políticos (los cuales darían mucho de sí, ya que es cierto que aluden a cuestiones controvertidas) y ortográficos (parece ser que quien ha copiado los textos en las mismas ha cometido más de un error grave en este sentido). Pero dejando esto a un lado, lo que me interesa es hablar del valor estético de las mismas y hacer un repaso a esta expresión artística en la ciudad.

Siempre he pensado que siendo Granada una ciudad que presumía de ser abanderada de la cultura y que explotaba esta faceta como uno de sus mayores atractivos turísticos, era bastante pobre en esta disciplina y que carecíamos de monumentos que rindieran homenaje a lo nuestro. Tan solo el conjunto escultórico de Cristóbal Colón e Isabel la Católica, realizado por Mariano Benlliure y que preside la Gran Vía, parecía destacar claramente en este campo por su representatividad y calidad, calidad que se ve mermada por el erróneo edificio acristalado del banco Santander que tantos años llevamos padeciendo. 

Sin embargo, de un tiempo a esta parte, hemos podido observar un intento de paliar esta carencia con un goteo de propuestas cuya culminación ha sido el bulevar de personajes ilustres de Granada de la Avenida Constitución, y que ha supuesto un significativo aumento en el muestrario escultórico granadino. De todas formas pienso que, en general, el valor artístico de muchas de ellas no es tan alto como sería deseable.

Hagamos una revisión de las que condenaría por su cuestionable calidad y de aquellas que salvaría de la quema.

La primera que devolvería directamente a la fundición sería la más moderna de todas, no por estilo sino por cronología. Tres pueriles muñequitos que pretenden ser el merecido homenaje que hace nuestra ciudad al flamenco, ubicada además en un sitio en el que estaba un monumento a la constitución, también bastante cuestionable por su aspecto de panteón mortuorio. 

La siguiente es de realización reciente y está emplazada en un sitio privilegiado, Puerta Real, se llama “El Caminante”. Parece ser que porque se nos cuenten cuatro frases pseudofilosóficas de lo que aquello representa y sea presentado por un par de intelectuales, la convierte automáticamente en una obra de arte. Por lo visto era acuciante homenajear al paseante anónimo granadino con tamaña "maravilla" escultórica. Juzguen ustedes mismos.

La siguiente es bastante cuestionable más que por su estética, por representar lo que representa. Monumento a la falange española situada en la Plaza de Bibataubín.

Las demás, que ya pertenecen a nuestro paisaje urbano desde hace años, no necesitan comentarios. 
El “Aguador”, situado en la Plaza de las Palmeras.

Chorrohumo, en el Peso de la Harina.

O Agustín Lara, en la Plaza del Ángel.

Nada que ver con las que existen en otras ciudades como en La Habana o Madrid.

Ésta de García Lorca en el Bulevar parece hecha con mala idea.

También agraviada al compararla con la que hay en la plaza de Santa Ana de Madrid.

La de Manuel Benítez Carrasco también se las trae, parece más bien Luis Aguilé.

Podríamos seguir con el listado de esculturas que no destacan precisamente por su mérito artístico ni su ubicación, pero creo más fácil y rápido señalar aquellas que se pueden salvar. En este sentido destacaría en primer lugar otra de también reciente colocación, que ha sido fuente de polémica por sus faltas de ortografía. La escultura a los poetas románticos.

También algunas situadas en el bulevar de Avenida Constitución como la de María la Canastera.

Elena Martín Vivaldi.

Pedro Antonio de Alarcón.

o incluso la de Manuel de Falla, que se libra por poco.

También me gustan las dos que están en el parque de las ciencias:
Einstein.

y Darwin.

Por supuesto la clásica de Fray Luis de Granada, en la plaza de Santo Domingo.

Otra más moderna, de Fray Leopoldo.

O la luna de Lorca, situada en una gran rotonda en Cartuja.

Dejo para el final mi favorita, la escultura al jazz, ahora bien situada igualmente en una amplia rotonda en Cartuja. Aunque no sé si me gusta más la obra en sí o lo que representa.

08/02/2014