CAMINANDO ENTRE DINOSAURIOS

Entretenido y formativo filme dirigido especialmente a los expertos en paleontología de la casa, los niños. No destaca por su original guión pero presenta un contenido didáctico de una manera muy atractiva. Con aspecto de documental introduce una simpática historia que hace las delicias de los más pequeños.

Es una divertida lección de hora y media en la que se nos muestra una serie de dinosaurios que intervienen en el desarrollo de la acción, con un pájaro prehistórico como narrador y cuya aparición de cada especie se hace a través de una ficha descriptiva congelando la imagen y leída por un niño en voz en off que hace conectar mejor aún con este público.

Utiliza las más modernas técnicas de animación para  integrar a la perfección a los digitalizados saurios, que parecen reales, en unos maravillosos paisajes naturales y de esta forma hacernos disfrutar de una fiel recreación de las costumbres de estas apasionantes criaturas extintas. Como recurso curioso, los personajes hablan pero no mueven la boca antropomórficamente para pronunciar las palabras, sino que emiten sonidos y lo que escuchamos son algo así como sus pensamientos dentro de un comportamiento que en su mayoría pretende ser genuinamente animal.

En este caso el 3D aporta a la historia, ya que se utiliza para interactuar con el espectador.

Es bonita para verla con un crío al lado y su gran valor educativo le hará formar parte de los archivos audiovisuales de los departamentos de ciencias en los centros educativos.

31/12/2013

EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG

Esta es una de esas películas que te pueden hacer aborrecer una saga por muy idolatrada que la tengas, como era mi caso. Es confusa, demasiado larga y pesada, con lo que se pierde el hilo y el interés con facilidad. Mucho más sórdida y sombría que su predecesora, queda reflejado incluso en la fotografía, que pasa de una luminosidad colorista en la primera a una paleta cromática grisácea en esta segunda. Sólo algunas secuencias aisladas me hicieron luchar contra mi propia somnolencia. Una entrega que, evidentemente, no tiene un principio ni un fin debería revelar un desarrollo sustancial pero parece manifestar, por el contrario, el empeño de alargar una historia con un propósito más mercantil que artístico.

A destacar, el dragón y la magnífica recreación de la gruta del tesoro.

Sólo recomendable para los muy fieles seguidores.

29/12/2013

BLUE JASMINE

Hasta ahora y según mi criterio, las películas de Woody Allen podría dividirlas en dos categorías: las buenas, que afortunadamente son más, y las no buenas, ya que no me atrevería a calificar de mala cualquier cosa que pueda realizar este dios del cine. La que nos ocupa la echaría al saco de las primeras, aunque no sea excelente. Si le diera una puntuación, cosa a la que no acostumbro, le daría alrededor del 6.

La idea y el guión es, más que original, tremendamente actual. Da la impresión de que el bueno de Woody, cuya relación con nuestro país es fluida y cordial, está al corriente de los noticieros patrios y ha querido retratar alguno de los sonados casos de corrupción que padecemos, tipo Bárcenas o Urdangarín, aunque es lógico pensar que allí también ocurren.

Parece mentira que hasta de un tema tan deprimente, consiga hacer una comedia divertida. Es llamativo cómo domina los registros de las diferentes clases sociales y la manera tan cierta con la que muestra la relación entre ambas.

Destaca el trabajo de Cate Blanchett, o eso se intuye a pesar del doblaje que tanto peso tiene en las películas de Allen, ya que se sustentan en la palabra más que en la imagen. Y es que este genio es un asombro de ocurrencia y prolificidad, su creatividad literaria le permite escribir y dirigir una película por año (¿tendrá uno o varios negros?).

En definitiva, un filme correcto y agradable que reconforta por su justicia y su interesante análisis social y que está dedicado especialmente a aquellos ridículos especímenes que, permitidme la expresión, “cagan en alto”. Toda una lección, aunque sin excesiva moralina.

28/11/2013

GRAVITY

Pocas veces he salido del cine con una sensación tan profunda de admiración por lo que acababa de ver. Durante la proyección disfruté y me maravillé con todo aquello que acontecía en la pantalla y terminé absolutamente impresionado. Tal vez sea también producto de que no esperaba gran cosa de ella, me habían dicho que estaba bien, pero no imaginaba que tanto. Es más, ahora me extraña que no le hayan dado todo el bombo que merece. Quizás cuando lleguen los Globos de Oro y los Óscars obtenga los premios que le corresponden, que a mi entender serían muchos.

Lo más portentoso es que, aún destacando muy por encima en cantidad lo técnico de lo humano en ella, consigue emocionar. Cuenta prácticamente con dos actores única y exclusivamente, ni extras ni figuración ni nada, tan solo aparece un tercer astronauta cuya participación es anecdótica, así como las voces terrestres de los ingenieros. Si tenemos en cuenta el tiempo que interviene George Clooney, podríamos decir que es casi un monográfico de Sandra Bullock. Para aquellos que la admiren disfrutarán muchísimo y para los que le tengan un poco de manía deberían olvidarse de eso porque está magnífica.

Su director Alfonso Cuarón, realiza un trabajo impecable de prodigio técnico como digo, y en este sentido creo que ha llegado al culmen. El efecto de ingravidez, los módulos espaciales y el respeto a la ciencia y a la física son asombrosos. Da la impresión de estar viendo un documental de la NASA más que una película, pero al mismo tiempo es muy cinematográfica. El 3D contribuye de manera consustancial y completa la experiencia audiovisual.

A través de un excelente guión, realizado por el propio Cuarón y su hijo Jonás, mantiene un interés constante. Los momentos de lógica calma espacial se ven alterados por una sucesión de acontecimientos que hacen de este filme un viaje apasionante. Desde el principio hay un ritmo narrativo regular de tensión-distensión perfectamente trazado que conserva la atención del espectador hasta el final.

A destacar igualmente el preciso estudio y análisis que han realizado director y actriz sobre el personaje protagonista y lo bien que lo han comprendido para desarrollarlo (una doctora preparada y entrenada para cumplir con eficacia su misión galáctica, con todo el bagaje y personalidad que eso supone y a la que se le suma un trauma reciente). La actuación se ajusta perfectamente a la envergadura de esta gran película, a pesar del riesgo que conlleva el hacer casi un monólogo interpretativo.

Conclusión, un realismo exacerbado, una interpretación espléndida y un guión muy bien construido, junto a unas imágenes que son pura belleza, dan como resultado una obra maestra de 10 que podríamos calificar como un auténtico poema visual.

30/10/2013

TURBO

Parece cierto afirmar que ser un producto de Pixar o de Dreamworks en este caso, resulta ser sinónimo de diversión y entretenimiento y desde luego “Turbo” no es una excepción.

A pesar de que da la impresión de que es una copia de “Cars” pero hecha por la competencia, y es posible que lo sea, cumple perfectamente su cometido, que no es otro que hacer pasar un buen rato a pequeños y grandes.

El argumento es uno de tantos que no destaca por su originalidad y que simplemente viendo el cartel somos capaces de adivinar. Incluso el mensaje, que parece estar tanto de moda y que nos intentan inculcar últimamente desde tantos sitios, es el típico de “Si persigues un sueño y luchas fuerte por él, puede hacerse realidad por muy difícil que parezca”. Lo curioso en este caso, es que ese sueño realizado no es producto del esfuerzo y del trabajo personal sino de la providencia y de esta forma resulta mucho menos plausible.

En cualquier caso está perfectamente realizada, la sensación de velocidad y los planos a vista de caracol, es decir, a ras de suelo son impresionantes. El ritmo narrativo es trepidante, como no podía ser de otra forma tratándose de una película que tiene como protagonista la velocidad. Sería deseable que algunas películas enfocadas a otro tipo de público aprendieran de éstas esa manera de contar una historia.

Como curiosidad reseñar que uno de los personajes está hecho a imagen y semejanza del cofundador de la Dreamworks Steven Spielberg.

Altamente recomendable para los niños (y) amantes del motor.

29/10/2013

LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI

Divertidísima película del mejor Álex de la Iglesia. Es ágil, fresca y trepidante.

Trata de aquella creencia ancestral en la que lo femenino se asociaba con lo diabólico y pecaminoso y donde a las mujeres que destacaban por su personalidad, conocimiento, iniciativa e independencia se les acusaba de brujería y se les condenaba a la hoguera, y por supuesto también de aquellas que efectivamente la practicaban. Partiendo de esa premisa, se establece un paralelismo con mucha sorna y retranca, entre aquellas brujas de antaño y estas “brujas” modernas de hoy día y que podrían ser la tía, la mujer, la novia o la sempiterna suegra de uno.

Se presenta a esta nueva mujer dominadora, fruto tal vez de la lógica justicia social que adeuda la historia de la humanidad a este género pero que, en algunos casos, ha dado como resultado una caterva de hombres desubicados y subyugados ante una mujer tiránica y dictatorial, imitando aquello más despreciable masculino y es que, al fin y al cabo, pertenecemos a la misma especie. De esta forma el espectador (hombre sobre todo y que aquí es una víctima) se podrá reconocer y sentirse identificado con ciertas situaciones domésticas, a pesar de desarrollarse dentro de un entorno semifantástico.

Los dos protagonistas principales e ídolos de jovencitas Hugo Silva y Mario Casas están fantásticos, parece que a base de trabajar mucho se van a convertir en buenos actores y todo. Destacan incluso por encima de grandes como Terele Pávez y Carmen Maura.

Digna de mención es la disparatada intervención de Santiago Segura y Carlos Areces, que hacen de las típicas “titas brujas” que todo el mundo tiene.

Se pueden ver claros guiños a películas como “El Señor de los Anillos”, con criatura Golum incluida y momentos que nos pueden recordar a filmes de Robert Rodríguez como “Abierto hasta el amanecer”.

El último tramo se hace un poco largo y se convierte en la típica orgía de tiros a la que Álex de la Iglesia nos tiene acostumbrados, pero el global de la película es bastante bueno.

Muy recomendable para pasar un rato divertido. Las chicas deben tomársela con mucho sentido del humor, tal y como está concebida.

28/10/2013

CANÍBAL

Muchos eran los alicientes para acudir a ver esta obra de Manuel Martín Cuenca. Película ambientada y rodada íntegramente en Granada, proyectada en la única sala de cine tradicional de la ciudad (Cine Madrigal) y coloquio-presentación del propio director en dos de las sesiones del domingo, hecho insólito y que brindaba una oportunidad singular. Esto sin contar el ambiente de rodaje que se vivía en la Semana Santa pasada y las veces que me crucé por mi barrio con el protagonista, Antonio de la Torre, sobretodo en la frutería.

Varios planteamientos estéticos hacen que sea una pieza original, por ejemplo y más llamativo, la casi ausencia de música. Carece de una banda sonora original tradicional o música incidental, toda la que aparece además de escasa es diegética, es decir, tiene una justificación en pantalla, bien porque la escucha el personaje en la radio o porque la toca una banda visible. Destacan de ese modo los silencios, y los sonidos insignificantes adquieren relevancia. Otro aspecto reseñable es la frialdad del protagonista, una pasmosa flema que transmite un aparente asentimentalismo, llevado a cabo por una interpretación muy contenida o plana, en sentido positivo, que se antoja bastante meritoria por parte de Antonio de la Torre y que le da un toque mucho más enigmático al personaje.

Aparte de eso, el comienzo es pausado, intrigante e hipnótico y a la vez rotundo e impactante. Eso hace que enganche rápidamente y produzca interés. Pero a medida que avanza, lo poco que sucede se produce con excesiva lentitud y se hace bastante pesada. Cuenta poco en algo menos de dos horas de metraje. Esa mesura interpretativa y linealidad emocional se contagia al espectador y acaba siendo irritante.

Al final la sensación que da es de una película correctamente dirigida pero algo pretenciosa, con vocación de película de autor, que busca ese gusto intelectual en el que los planos y los silencios alargados son un valor en sí mismo, un poco a lo Isabel Coixet, y que hacen las delicias de los/as gafa-pasta. Seguro que esos aspectos que parecen banales o sin sentido, tienen un simbolismo y un significado muy profundo al cual las mentes enanas no alcanzamos a entender con el simple visionado. Hará falta una reflexión más sesuda o una explicación posterior. Lo realmente cierto es que a veces se agradece otro tipo de cine menos efectista y previsible que el estadounidense pero en muchos de los casos el resultado son casi dos horas de hastío y sopor.

Para mí lo más positivo de la velada fue la posibilidad de ver in situ al director presentando la película y reencontrarme con el cine Madrigal que tanta nostalgia me produce. Lo hallé mucho mejor de lo que recordaba, y me trajo a la memoria al clásico cine Prytania de Nueva Orleans, que se cita en La Conjura de los Necios. Lo vi más grande, cómodo y lleno de sabor a cine de verdad, de toda la vida. Un clásico de los que, por desgracia, quedan pocos ya en España.

20/10/2013

JUSTIN Y LA ESPADA DEL VALOR

Producción española, o más localmente granadina (Kandor Graphics, dirigida por Manuel Sicilia, nuestro vecino del Zaidín) de la cual podemos sentirnos orgullosos.

Se trata de una creación magníficamente elaborada y acabada. Cuenta con todos los requisitos que cabrían esperar en un producto animado como este. Impresionante grafismo, personajes correctamente definidos, diálogos divertidos, una música grandilocuente y maravillosamente tópica, excelentes actores de doblaje, así como la participación de una gran estrella, Antonio Banderas. Podría pasar perfectamente por un trabajo realizado en Hollywood. Aunque viéndolo desde otra perspectiva, esa virtud podría suponer su propio defecto. Quizás por nuestro complejo de inferioridad o porque nos miramos demasiado en el espejo norteamericano, creemos que estamos en el buen camino cuando somos capaces de camuflar un filme de este tipo entre los demás estadounidenses. O tal vez lo correcto sea aspirar a eso, obviamente ellos son los mejores en esta industria, pero lo que resulta no destaca precisamente por su originalidad. (Pienso en el anime nipón o en Miyazaki y la Ghibli que tienen su carácter personal y son de una altísima calidad).

De todo, sin duda, lo que más me llamó la atención fue el mensaje que transmite. No sé si es que yo tengo una visión demasiado simplista de la misma, pero la enseñanza o moraleja no me resultó para nada acertada, más aun teniendo en cuenta que va dirigida a un público infantil. Aquella máxima que siempre nos han enseñado y que recuerdo, por ejemplo, en películas como Indiana Jones y la Última Cruzada de: “la pluma puede más que la espada”, se invierte aquí por completo y resulta que propaga la necesidad de los ejércitos y las armas por encima de las leyes y las normas. Impone la importancia de la fuerza bruta a la del diálogo y el estado de derecho. Me quedo un poco perplejo ante los valores que parece que se desprenden.  Incluso, pensando mal, pude ver alguna que otra pincelada homófoba.

En conclusión, película entretenida y bien hecha, aunque poco original y con un mensaje bastante desconcertante.

24/09/2013

EL LLANERO SOLITARIO

Son más que sabidos los paralelismos que se establecen entre lo que parece ser esta nueva saga y la de “Piratas del Caribe”, mismo director, productores y planteamiento, así como el alma de éstas que no es otro que el actor y productor Johnny Depp.

Si en aquella lo que se quería recrear eran los tópicos de las antiguas películas de piratas para darlas a conocer a las nuevas generaciones y hacer llenar los cines también con sus nostálgicos padres y abuelos, en esta pasa lo mismo pero con las del oeste. Se le añade además la añoranza de una antigua serie de televisión norteamericana de los años 50 basada en este personaje y de otra de dibujos animados de los 60 y que en España se emitió en los 80. (Confieso que era uno de mis héroes de la infancia y que lo personificaba en mis mejores cowboys de plástico de Comansi, con su caballo blanco Plata y con el compañero indio incluido).

El protagonista, Armie Hammer (quien ya hizo un doble papel en “La Red Social”) encarna correctamente al personaje y parece tener buena química con Jonnhy Depp, que aunque hace del nativo Toro, huelga decir que poca gente o nadie ve en él al comanche que representa, sino a él mismo, hecho que particularmente no me molesta en absoluto e incluso diría que le da un toque más cómico aún.

La película tiene un arranque magnífico, con mucha fuerza y acción trepidante que podría recordar a otras tan frenéticas como las de Indiana Jones. Después entra en una fase un tanto extraña, gusta lo que se ve, todo está bien hecho, lleno de momentos divertidos pero no acaba de entretener del todo y resulta larga, no mantiene ese buen ritmo con el que comienza. El último tramo vuelve a remontar y alcanza el tono inicial. Es además un estudio musical de la obertura de la ópera “Guillermo Tell” de G. Rossini, que tan famosa se hizo ya en la serie de animación y que ha quedado asociado desde entonces con las galopadas del western.

El aspecto que más me llamó la atención, aparte de la ambientación en general, fue la estética de los paisajes. Jamás he visto Monument Valley retratado con tantísima belleza y esplendor como en este filme.

En conclusión, puede ser una buena opción para llevar al cine a los niños y que disfruten con una película del oeste, oportunidad que sí hemos tenido otras generaciones. Es divertida,  heroica y amablemente infantil, aunque ni mucho menos redonda.

24/08/2013

ELYSIUM

Película que desgraciadamente cumple las expectativas previstas. Parte de un planteamiento que, aunque obvio, podría resultar interesante pero no le sacan ningún provecho ni abundan en ello. Acaba siendo una película en la que solo destacan los efectos visuales y en la que hay mamporros a diestro y siniestro.

Al fin y al cabo tampoco aporta nada novedoso. Elysium, una estación espacial habitada por unos pocos privilegiados ricos y poderosos a distancia lunar, en la que todo es idílico, sin enfermedades, pobreza ni guerras y donde se deja a la tierra para el resto de mortales como un lugar caótico y destruido,  no dista demasiado de la realidad que se vive hoy día y a lo largo de toda la historia de la humanidad, con la única diferencia que estamos un poquito más mezclados aquí abajo.

De todos modos es un canto al inconformismo, a la igualdad de oportunidades y a la lucha de clases en definitiva, cosa que nunca está de más recordar.

26/08/2013

EL HOMBRE DE ACERO

Al abordar esta película, resulta ineludible establecer un paralelismo entre este “Hombre de Acero” y “El caballero Oscuro”. La misma idea, detrás de la que también está el director y productor Christopher Nolan, de reinventar el personaje dándole un aspecto más tenebroso, atormentado y profundo, con el propósito de instaurar una saga remozada. En el caso de “Batman” esta nueva visión es justificadamente exitosa y sólida pero para “Superman” mi opinión es distinta.

Análogamente, es inevitable la comparativa con el Superman de Richard Donner protagonizado por el mítico Christopher Reeve, lleno de glamour, brillo, color, elegancia, épica, que reflejaba perfectamente lo que era un héroe, al menos para los ojos de los niños de la época, totalmente definido e interpretado magistralmente por el actor neoyorkino, que le daba el punto justo al personaje, incluso con una agradecida vis cómica. No puedo imaginar otra persona que encarne a un superhéroe de manera más perfecta.

Sin embargo éste, al que ni siquiera se atreven a llamarle Superman, me resulta un triste, sin alma ni carácter. Incluso no me parece que dé el físico, a pesar de tratarse de un cachas guapito de cara que contará con el beneplácito de todas y todos a los que gusten del género masculino. Ciertamente, su imagen, es más propia de los ideales estéticos contemporáneos pero a mi entender está excesivamente ciclado y hasta me pareció bajito. De todo, lo que considero más irritante es esa falta de carisma. Del traje, también renovado, me llama la atención más que su oscuridad y diseño, la excesiva longitud de la capa.

En cuanto al guión, se ha hecho una mezcla de las dos primeras películas añadiendo cosas diferentes, como presentar un Clark Kent pescador en lugar de periodista, aunque al final reconduce su vida profesional. La narración no es lineal, sino que está plagada de flashbacks y saltos temporales bruscos. El comienzo resulta largo, como para sentar bien las bases de lo que vendrá en sucesivas entregas y el padre del héroe, interpretado por Russell Crowe adquiere un excesivo protagonismo. El putativo o terrenal, encarnado en este caso por Kevin Costner, es otro triste e incoherente que prefiere que los amiguitos de su hijo mueran ahogados en un río o incluso que él mismo sea absorbido por un tornado con tal de que su vástago no destaque ni llame la atención, vamos, que prefiere que sea un mediocre. La madre adoptiva también tiene lo suyo, se queda como si nada cuando el muchacho le comenta que ya conoce sus orígenes. Eso de que se te aparezca tu padre real muerto de otro planeta como una especie de holograma animado e interactúe contigo debe ser de lo más normal para ellos, pero vamos, que ni siquiera muestra interés en saber cómo. Está claro que se trata de una película de ciencia ficción pero respetemos el pacto narrativo al menos.

Así mismo aparecen demasiadas naves que difuminan la imagen de película de superhéroes y le da un aspecto más de género galáctico. El ejército estadounidense tiene casi más importancia en las hazañas que el propio protagonista. El villano, sin Lex Luthor de por medio, tampoco me convenció nada.

Las referencias al mesías bíblico vuelven a estar muy latentes en la propia historia en sí, como es lógico, y en pequeños guiños como los 33 años del héroe o el vuelo vertical en cruz cuando le dicen que tiene que salvar al mundo.

El asunto musical merece un capítulo aparte. Todos tenemos en nuestra memoria la imponente presencia de la música de John Williams, tan desinhibida y directa aunque tan llena de entresijos magistrales, que se adhería al personaje tan fuertemente como la propia indumentaria de licra del mismo. En este sentido han roto totalmente con esto para dar paso a la música de Hans Zimmer, igual de indiferente y mediocre que el nuevo personaje. Se profesa mucha orquesta sintetizada sin direccionalidad ni brillantez. Solamente se atisba el natural tema de “Así habló Zaratustra” de Richard Strauss, que hace referencia al superhombre nietzschiano, pero utilizado burdamente. Williams también lo citó en su momento de forma clara en uno de sus cortes y luego se sirvió de él para elaborar el tema del héroe de manera sutil, reinventándolo por completo y obteniendo como resultado una de las músicas cinematográficas más deslumbrantes y que ha pasado a formar parte de la historia de la música orquestal.

La versión del 78, aunque mucho más infantil, me parece muy superior aún con su imagen de tecnología analógica y sus deficientes efectos especiales, que para muchos son objeto de mofa vistos hoy día. A mi entender tiene bastante más encanto. La actual cuenta con un despliegue técnico y de efectos especiales espectaculares, ciertamente más reales y prácticamente perfectos. Los vuelos y la fuerza del personaje se transmiten magníficamente, pero me sigo quedando con la elegancia y la pausa con la que surcaba el cielo Chistopher Reeve.

Tal vez sea un nostálgico y mi visión esté totalmente distorsionada debido a mi romántica mirada del clásico de los 70, y no es que niegue que vaya a tener su público, incluso que nos sorprendan gratamente en algún futuro episodio, pero esta película para mí ha sido un auténtico fiasco.


23/06/2013

R3SACÓN

Después de la brillantísima “Resacón en las Vegas” y una más que acertada “Resacón 2 (Ahora en Tailandia)”, llega esta desconcertante “R3sacón”, que por otro lado no tiene mucho de resacón y rompe bastante con lo anterior, el nombre aquí no tiene demasiado sentido.

Quizás pensando que la fórmula estaba agotada, han querido ofrecernos otra visión de las peripecias de este disparatado grupo de amigos, pero creo que se han equivocado. Se presenta más bien como una especie de thriller que le hace perder continuidad, credibilidad y lo peor, comicidad, casi no resulta graciosa. Bien es verdad que tiene sus giros inesperados y el hecho de ver de nuevo juntos a estos personajes tiene su atractivo pero, como digo, no han atinado.

Se me ocurre tal vez que, como culminación de esta trilogía, podrían habernos dejado disfrutar con ellos de una de sus antológicas juergas en “vivo y en directo”, sin reconstrucciones ni visionado de fotos al final, hubiera sido la recompensa a los seguidores de la saga.

A destacar, por decir algo, el “erótico” encuentro a cargo de una señorita de dudoso atractivo con el loquísimo Zach Galifianakis, no se tocan, solo se miran y hay una piruleta de por medio. La tensión sexual atraviesa la pantalla, pero da más grima que otra cosa.

Por cierto, no os levantéis cuando salgan los títulos de crédito, la película continúa y es casi lo más divertido de toda la cinta.

15/06/2013

EL GRAN GATSBY

Grandilocuente película con un destacado elenco pero cuyo resultado es mediocre. Parece extraño, ya que nada en ella es así. Buen casting, magnífica historia basada en un clásico de la literatura norteamericana (F. Scott Fitzgerald) y producción ambiciosa en la que da la sensación que no se ha escatimado en gastos.  Pero también adolece de una sobredotada aunque comprensible pretenciosidad y una artificiosidad desaforada.

Lo más chocante, que tratándose de la época del jazz, prácticamente toda la música que aparece es actual. Juega con ese anacronismo para darle un aire más moderno y original, desde mi punto de vista erróneo ya que, entre otras cosas, nos priva de uno de los máximos atractivos de esa nostálgica época y hace que no entres en la historia, acaba pareciendo todo un videoclip. Solo nos permiten deleitarnos con Rapsody in Blue de Gershwin en un momento del filme y quizás solo por eso merezca la pena verla. Tampoco me gusta la fotografía, han querido hacer una mezcla de antigüedad y modernidad que no me resulta del todo atractiva. Es y se hace demasiado larga, a pesar de tratarse de un libro que apenas llega a las 250 páginas.

Aún así hay cosas que me gustaron. El corazón de la historia es grandioso, lo que puede llegar a hacer una persona por amor. Cómo el protagonista, un gentleman con una seguridad propia de su miticidad, se desmorona ante su debilidad sentimental. Y desde luego, la puesta en escena de las fiestas en la casa de Gatsby, no se me ocurre ningún espectador al que no le gustara estar allí cuando lo está viendo en la pantalla.

Vuelvo a recomendar “Medianoche en París”, de Woody Allen, si queréis ver al “propio” F. Scott Fitzgerald (ficticio) con su esposa Zelda en la vida parisina.

17/05/2013

LA BIBLIA

Podríamos definir esta miniserie con el tópico dicho shakespeareiano de “mucho ruido y pocas nueces”. Mal resumida, no del todo bien ambientada, efectos visuales casi inaceptables, con irritantes cambios sobre lo archiconocido bíblico, vestuario, peinados y maquillajes anacrónicos, excesiva pulcritud y bótox, sin emoción, sin alma. Por no tener no tiene ni una triste estrella que llevarse a la vista, máxima que han seguido hasta las más flojas adaptaciones de cualquier cosa relacionada con el texto sagrado, por muy televisivas y cutres que fueran. Comienza fuerte pero va a peor. Resulta hasta gracioso un diablo que, como muy bien publicaron, tiene un más que razonable parecido con el presidente Obama pero vestido de una especie de emperador Palpatine de Star Wars o del iconográfico asesino de Scream, casi ridículo.

La que parecía una aburrida recreación de la historia de Jesús de Nazareth hecha por Franco Zefirelli, queda como una obra maestra con sobreabundancia de leyendas de Hollywood al lado de ésta.

Resumiendo, un despropósito.

01/04/2013

LOS AMANTES PASAJEROS

Posiblemente una de las películas más flojas, no solo de la última época de Pedro Almodóvar sino que me atrevería a decir, de toda su carrera.

Parece que esta vez ha contado con un presupuesto limitado, prueba de ello son los efectos especiales que ha resuelto inteligentemente con sonido y no con imagen, pocos exteriores y mucho rodaje de estudio. Éstos serían detalles sin importancia si contara con algo a lo que el director manchego nos tiene acostumbrados y que desgraciadamente en esta ocasión no tiene, un buen guión. Parece concebido más que como un largometraje como un telefilme y su filosofía se podría resumir en aquella oscura fantasía que todo hombre en edad púber (e imagino que escasas mujeres) ha tenido alguna vez cuando se pregunta: “¿Qué haría si me quedaran pocas horas de vida?” supongo que cualquiera que conozca la mentalidad masculina podrá responder rápidamente. Cierto es que también tiene una lectura más profunda de la existencia humana pero desde luego más obvia y menos ocurrente.

No obstante, cuenta con un plantel excelente de actores que salvan la cinta. Es colorista, sin complejos y pretendidamente graciosa. Particularmente me pareció bastante divertida y no me desagradó, pero hay que tener en cuenta mi profunda admiración por el universo Almodovariano, a pesar de mi severa heterosexualidad.

En cualquier caso no apta para homófobos o gente que tenga algún atisbo de ello.

15/03/2013

HITCHCOCK

Interesante aproximación a la figura del tan manidamente llamado, pero no por eso menos cierto, “Mago del Suspense” (también “Maestro del Suspense”).

La película se centra en el rodaje de Psicósis y de cómo consiguió que una producción por la que nadie apostaba se convirtiera en el mayor éxito de su ya importantísima carrera.

Se alza como figura estelar en este filme su esposa Alma Reville, una mujer de extraordinario talento que hacía mejor el trabajo del original director británico y que es interpretada por la espléndida Hellen Mirren. Es una especie de homenaje a esas mujeres tan importantes que han vivido a la sombra de un genio.

Me parecía complicado llegar a ver en Anthony Hopkins a este cineasta tan visible. Su imagen es una de las más poderosas de todos los directores de la historia, como también lo es la del propio actor galés, por unos momentos no sabía si veía a Hitchcock, a Picasso o a Hannibal Lecter después de haber devorado a una actriz rubia sin masticar. Pero poco a poco Hopkins se apodera del personaje y consigue recrear bastante bien la arrolladora personalidad de este magnífico, divertido, sarcástico y obsesivo creador.

Aunque queda patente que lo que encumbró a Psicósis fue la picaresca de su director, el montaje y la música, me hubiera gustado que hubieran destacado más el papel que tuvo Bernard Herrmann, a mi criterio casi el 50% de la película.

Se puede disfrutar con la típica sintonía compuesta por Gounod, ya que comienza y termina como un capítulo televisivo de “Alfred Hitchcock Presenta”, así como la del propio Herrmann y la incidental de Danny Elfman, que no está nada mal.

A destacar el parecido del actor James D’arcy con Anthony Perkins y la cautivadora belleza de Jessica Biel haciendo de Vera Miles y sobretodo de Scarlett Johansson en el papel de Janet Leigh, deslumbrante.

Me quedo con la respuesta que le da Hitchcock a su mujer en una de las últimas frases de la película y que viene a ser algo así:

-“He esperado 30 años a que me digas esa frase” -“Por algo me llaman el Maestro del Suspense”.

Los amantes del cine no pueden perdérsela.

05/03/2013

THE CURIOUS INCIDENT OF THE DOG IN THE NIGHT-TIME.

Quiero recomendar encarecidamente este libro que ya tiene su tiempo (2003). Es muy sencillo pero extraordinariamente original. Está narrado en primera persona por un chico de 15 años con un tipo de autismo denominado síndrome de Asperger. Lo curioso es que es un genio de las matemáticas y tiene una visión del mundo muy particular, así como dificultades para entender los sentimientos humanos. En él lo inapreciable e insignificante se vuelve importante y significativo. Te sumerge en un universo diferente, estando en la mayor cotidianidad.

Si podéis leerlo en Inglés, mejor, no tiene un vocabulario complicado.

05/03/2013

LINCOLN

Decepcionante película producida y dirigida por mi idolatrado Steven Spielberg.

No sería justo decir que es un filme carente de ritmo, más aún, lo tiene, pero es predominante calmado, pausado, lento, con larguísimas escenas de diálogo y parlamento que apenas consigue mantener la atención. Lo realmente difícil es permanecer en vigilia y no echar un par de cabezaditas, sobre todo si se ve a horas extremas de la tarde. Mi lucha fue ésta y más ardua que la contienda política que se libraba en la pantalla que, por otra parte, ya se sabía cómo iba a terminar. De una película de estas características en la que el argumento no te puede generar ninguna incertidumbre, se debe esperar que despierte un interés mucho más allá del meramente histórico y debe ser sugestiva desde el punto de vista cinematográfico. Más que el qué se cuenta debe primar el cómo se cuenta y aquí Spielberg no se luce en absoluto.

Introduce una pizca de guerra, aunque lógicamente está en el trasfondo, algo de vida personal y mucho de estrategias, intrigas políticas y dialéctica. Se mantiene en esa incuria narrativa durante una hora y media y después llega al punto álgido cercano al final que al menos te hace abandonar definitivamente la narcosis.

A pesar del título, no narra la vida del decimosexto presidente de los Estados Unidos sino un capítulo muy concreto de la historia norteamericana, interesante al menos desde el punto de vista documental, pero poco más.

En definitiva, no hay muchas cosas que capten la atención del espectador excepto, aparte del ya citado valor instructivo, el comprobar el empeño del director en que el tiro de cámara sea en escorzo ya que es con el que Daniel Day-Lewis más se asemeja al mítico presidente.

Las interpretaciones también son difícilmente juzgables debido al doblaje. Se intenta retratar un Lincoln envejecido, encorvado y con una voz excesivamente forzada, a pesar de que el protagonista tiene prácticamente la misma edad que tenía Lincoln en ese momento. Lo mismo pasa con algunas otras voces más del reparto. Si en la versión original han optado por utilizar ese registro de voz por cualquier razón justificada, estoy seguro de que Day-Lewis ha conseguido transmitir la esencia del personaje muchísimo mejor que su doblador, a tenor de la cantidad de premios que está recibiendo y que hasta lo que se puede ver serían injustificables.

Por decir, ni tan siquiera John Williams, que nunca falla, está brillante ni hace nada original ni atractivo.

10/02/2013

LITERATURA DE ALCOBA

Por petición popular y para todas aquellas personas a las que "50 sombras de Grey" les ha parecido decepcionante o no, pero les ha dejado con más hambre de literatura de alcoba, ahí va una pequeña lista de contenido similar y donde seguro podrán encontrar mayor altura literaria.

“Fanny Hill” (1748) de John Cleland.

“La filosofía en el tocador” (1795) de El Marqués de Sade.

“Las once mil vergas” (1907) de G. Apollianire.

"El amante de Lady Chatterlay" (1928) de D. H. Lawrence.

"Historia del Ojo" (1928) de Georges Bataille.

Los diarios de Anais Nin (años 30).

“Trópico de cáncer” (1934)

 y “Trópico de Capricornio” (1939) de Henry Miller.

“La viuda andaluza” (1972) de Xavier Domingo.

“La máquina de follar” (1978) de Charles Bukowsky.

"Elogio de la Madrastra" (1988) de Mario Vargas Llosa.

“Las edades de Lulú” (1989) de Almudena Grandes.

24/01/2013

EL HOBBIT

Gran superproducción que vuelve a ser más de lo mismo, pero claro, decirlo de esta extraordinaria serie, es decir muchísimo.

Vuelvo a quedarme maravillado con esos bucólicos paisajes embellecidos por la técnica y el oficio cinematográfico. La calidad literaria de J.R.R. Tolkien se traduce a estética visual en esta obra maestra del séptimo arte (no me refiero solo a esta parte, sino a las 4 ya exhibidas por Peter Jackson que se pueden considerar como un todo).

Subtitulada como “El Viaje Inesperado”, paradógicamente sorprende poco, recuerda bastante a “La Comunidad del Anillo”. De nuevo un grupo de seres entrañables, formado esta vez por 13 enanos, un mago y un hobbit, tienen que viajar a la Montaña Solitaria para robar el tesoro que el dragón Smaug había tomado y que pertenecía a los enanos.

Es divertida aunque no desternillante. Indudablemente, lo mejor es volver a meterse en ese mundo fantástico y recrearse en sus paisajes, aventuras y criaturas extraordinarias. Cierto es que se puede hacer larga y pesada por sus 3 horas de duración, pero para mí no fue tediosa.

Es de las primeras producciones rodadas a 48 fotogramas por segundo (el doble de lo habitual) y que como definió el propio director “La pantalla se convierte en un agujero a la realidad” pero no se aprecia gran diferencia realmente. Lo único que creo que se ve perjudicado por estas “altas definiciones” que se están imponiendo es el maquillaje, “canta” bastante cuando la calidad de imagen es tan grande.

Por circunstancias la vi en 3D pero para mí las gafas fueron un estorbo más que otra cosa. Sigo pensando que no merece la pena este formato si no se explota realmente.

Me llamó la atención la música. Howard Shore no parece haber trabajado mucho su faceta creativa en esta parte, se limita a plantar tal cual temas ya compuestos en las anteriores entregas y en hacer leves y pequeñas variaciones en momentos puntuales.

Recomendable.

20/01/2013

LA VIDA DE PÍ

Ciertamente tenía bastantes expectativas puestas en esta producción y en realidad se cumplieron, pero solamente durante la primera hora de visionado. El comienzo es muy bueno, no demasiado espectacular pero parece cocer algo apasionante que tiene que venir después y cuando viene…no es que sea decepcionante del todo pero no es tan bueno como cabría esperar.

Lo de “El mayor espectáculo visual después de Avatar”… no es para tanto. Aunque la imagen es bonita y al principio el efecto 3D es buenísimo, nada más dura unos 5 o 10 minutos. No merece la pena gastar en doble en verla en este formato.

Al final viene a ser una especie de Naúfrago de Zemeckis pero pretenciosamente mística, llena de mensajes filosóficos, teología, crecimiento personal e incluso autoayuda. Casi que parece una fábula de esas de Jorge Bucay pero tampoco es que el mensaje quede del todo claro, aunque cada uno lo pueda interpretar a su manera.

Lo mejor, la fotografía, el tigre y cuando el protagonista cuenta su infancia. También aquello de que las religiones son diferentes caminos para llegar a dios, todos igual de válidos e incluyentes si se quiere.

Lo peor, que se hace un poco larga y eso es un mal síntoma. El mensaje, al menos a mí, me dejó un poco indiferente, no aporta nada nuevo.

15/01/2013

LA JOVEN DE LA PERLA

Hermosa película de 2003 basada en la obra homónima de la escritora estadounidense Tracy Chevalier y protagonizada por Scarlett Johannson y Colin Firth.

Narra la relación del pintor de la época dorada holandesa, Johannes Vermeer, con una criada que a la postre sería quien sirviera de modelo de su famoso cuadro conocido, entre otros nombres, como La Mona Lisa Holandesa.

Esta película tiene algo muy especial, podría asegurar que no he visto nada igual desde el punto de vista fotográfico, realmente extraordinaria. Traslada a celuloide de manera calcada los lienzos de este gigante de la pintura barroca. A través del granulado, la luz y el juego del claroscuro consigue la ambientación idónea. Si a eso se le suma una escenografía, un maquillaje y un vestuario muy cuidado, la convierten en algo que yo denominaría como “película-cuadro”. Además el director tiene la habilidad y el acierto de detener el tiempo y rodar el instante. Uno parece sentir descubrir qué pasa antes, durante y después del momento pintado. Para disfrutarla como el que contempla un cuadro en  movimiento durante hora y media.

El argumento y las interpretaciones están bien pero a mi criterio aquí son casi lo de menos. De cualquier modo Scarlett Johanson brilla por sí misma en este filme.

Imprescindible para los amantes de la pintura.

12/01/2013

LOS MISERABLES

Maravillosa adaptación cinematográfica realizada por el oscarizado Tom Hooper (El Discurso del Rey) del ya clásico musical de Claude-Michel Schönberg.

Huelga decir a estas alturas y por el tipo de producción que es, que la cuestión técnica es de una altísima factura, la fotografía bellísima y la dirección artística y escenografía impecables. Pero no es solo el aspecto técnico lo más destacable de este filme sino la fabulosa adaptación del musical a la pantalla y el magistral trabajo interpretativo de sus protagonistas.

Discrepando de lo que he podido leer en otras opiniones, el equilibrio entre las partes cantadas y dialogadas está perfectamente realizado, no quiere esto decir que haya una correspondencia de duración entre ambos sino que el escasísimo diálogo existente está adecuadamente insertado y recortado para dejar paso a lo que realmente lleva el peso del musical que son, lógicamente, las canciones y de este modo no hacer más larga la cinta, ya que está entre uno de los 3 musicales de mayor duración de la historia. Al contrario de lo que esto puede parecer no hace pesado su visionado sino que lo convierte en un auténtico disfrute y lo hace mucho más comprensible que en la propia representación teatral.

Me gustaría destacar cada uno de los momentos estelares que los protagonistas tienen cuando cantan “su canción” a modo de aria operística. Todas estas escenas están rodadas de la misma forma para dar unidad, con un exquisito gusto estético y manteniendo un primerísimo plano fijo, más fotográfico que cinematográfico, en donde la cara del cantante aparece en un lado de la pantalla, no en el centro y que hace que el actor tenga que mostrar toda la carga emotiva que cada una de esas piezas tienen, sin trampa ni cartón, desarrollando un trabajo actoral dificilísimo pero con un resultado sublime, consiguiendo brillar y conmover.

Estos cantantes no profesionales pero excelentísimos actores son un claro ejemplo de cómo se debe hacer este trabajo escénico, sin necesidad de impostar demasiado la voz pero sabiendo decir y transmitir inmejorablemente. (Soy contrario a una impostación excesiva que lo único que consigue es que no se entienda nada. Las canciones tienen letra para algo, y más cuando se cuenta una historia).

Ahondando en el aspecto musical, decir que por primera vez escucho una orquestación en condiciones de esta obra, realizada por la compositora y ganadora de un Óscar, Anne Dudley.

Desde luego abstenerse todos aquellos que penséis que es una tortura estar leyendo todo el rato para entender las canciones en Inglés. Señalar que los subtítulos no son la traducción literal de la versión anglófona sino la adaptación española del musical, lo cual tiene cierta gracia ya que se pueden canturrear las canciones en español al mismo tiempo, encajan con la música. Imprescindible para los que conocéis y os gusta esta obra, gozaréis como yo lo hice.

Lo mejor: El trabajo actoral del reparto y sobretodo Hugh Jackman, me ha sorprendido muy gratamente, nunca lo había visto antes desarrollando un trabajo así.

Reseñar también el contrapunto de los personajes cómicos como el mesonero, interpretado como no podía der de otro modo por Sacha Baron Cohen y el pequeño héroe revolucionario Gavroche interpretado por Daniel Huttlestone.

Lo peor: El excesivo engolamiento en la voz de Eddie Redmayne (Marius) y su físico que, a mi criterio, no se encuentra a la altura del papel ni de su partener.

Altamente recomendable.

07/01/2013